Monica Ursina Jäger

Topographies

Installation, 2014.

For several years Monica Ursina Jäger has been drawing built and natural landscapes inspired by Modernist-style architecture. Her precise works, using media including ink and pigment transfers, combine hope and downfall: on one hand designers’ aspirations, and fantasies, for the future; on the other the dystopia of failure. In creating these works Jäger has assembled a huge stock of images of buildings and environments, both her own photographs and images found in print and online, including rendered as well as completed constructions. ‘Topographies’ consists of one, extremely long image created from hundreds of collaged images from this working archive.

The viewers can follow the nearly 12 meter long collage as if with a filmic tracking shot, or they can examine it in a less linear fashion. Whichever way they view it, the route is through man-made, forested and barren landscapes, some sites iconic, some prototypical, with an emphasis on the architectural ambitions of the 1960s. Our viewpoint moves from afar, to close up, the scenes largely in black and white with accents of colour that emphasise the chill of the dystopian environments. With few signs of human life, Jäger captures the temporality of the most solid concrete and steel buildings. Like the fictional visions of Cormac McCarthy, this could be a past we have escaped or a future we would like to avoid.

cold frame – vertical garden

Chlorophyllin on concrete boards, 260 × 625 cm, 2016.

The multi-part painting is executed with differing concentrations of chlorophyll (Blattgrün). This light- sensitive natural pigment will slowly fade over the course of the exhibition.

The geometrical shapes in cold frame – vertical garden 2016 are taken from a ‘Tensegrity’ structure.

Tensegrity (portmanteau of tension and integrity) has been discovered by artist Kenneth Snelson and Richard Buckminster Fuller during the summer institute at Black Mountain College in 1948. Giving the impression of a cluster of struts floating in the air, tensegrity structures are composed by a set of compression components suspended within a continuous tension network. This results in a structure where ‘compression elements become small islands in a sea of tension.’ (Buckminster Fuller 1961) While Snelson examined this principle in his sculptures, Buckminster Fuller and David Georges Emmerich explored its applications to architecture and engineering. Thirty years later, Donald E. Ingber, professor of pathology at Harvard Medical School, discovered tensegrity structures in biology (carbon atoms, water molecules, proteins, viruses and other living creatures). Tensegrity proved to be a universal principle corresponding to a particular field of forces in a stable equilibrium under a precise distribution of elements. Recently it has been proposed that not only the human skeleton but also the central nervous system function as tensegrity structures, where some elements are continuously pulling and others are discontinuously pushing.

Buckminster Fuller at Black Mountain College, 1948.

Students at Black Mountain College with Tensegrity dome.

Sculpture by Kenneth Snelson based on Tensegrity.

Tensegrity in human fascia.

Since the advent of the Internet, with its explosive cross-pollination of knowledge, ideas and discoveries, tensegrity has become a key principle across many disciplines. Research is being conducted in Biotensegrity to examine the architecture of cells and viruses to invent revolutionary treatment. New ways of geometric, responsive structures are being developed in design and engineering and anatomical research has led to new ways of understanding the structure of the human body.

This installation takes tensegrity as a starting point to examine whether ‘tensional integrity’ is something other than just a spatial structure of struts and strings. Where do we recognise forms of push and pull strategies, tension-pressure relationships and stability-flexibility structures within our fields of research and interests? In the face of the current political climate with social shifts, systemic ruptures and ecological crisis, notions around fragility, tension, dynamic relations and resilience might become more and more important.

– Monica Ursina Jäger

Knowbotiq (Yvonne Wilhelm, Christian Huebler)

golden aphrodisiac - quantum ecologies of bodies

2016

mit Unterstützung des ifcar/ZHdK; konzeptuelle Mitarbeit: Nina Bandi; Sound: Fred Hystère und knowbotiq; Tanz: Teresa Vitucci.

Das installative Setting ist eine Auskoppelung aus dem grösserem Projekt: Swiss Psychotropic Gold 2016, welches die Rolle des Rohstoff Gold in den ästhetischen und affektiven Ökonomien am Beispiel der Schweiz verhandelt. Das Projekt befragt das Verhältnis von Materialität und Form, welches im Falle dieses Edelmetalls besonders eindrücklich ist. Gold durchläuft, einmal gefördert, einen sich wiederholenden Zyklus von Verarbeitung und Wiedereinschmelzung und ist so für jegliche ökonomische, psychologische und politische Reinigungs- und Anonymisierungsprozesse hervorragend geeignet. Das hochglänzende, weich schützende, psychoaktive Metall quantifiziert und molekularisiert die Narrative über Gewalt, Ausbeutung, Bereicherung, Versprechen und Verschuldung, die die Förderung, den Handel und den Gebrauch des Edelmetalls massiv begleiten. Diese biopolitische Komponenten des „Rohstoffwechsels“ sind für die Schweiz besonders dringlich, da 70% des weltweit geförderten und gehandelten Goldes hier raffiniert werden; begleitet und angetrieben von calvinistischen Vorstellungen, dass der Besitz und die Distribution von Gold als God’s Money den Menschen zu ökonomischen und philanthropischen Höchstleistungen motiviert.
Gold ist nicht seinen „klassischen“ Formen wie Nuggets, Goldbarren und Schmuck verhaftet. Im Gegenteil, es ist stark dispersiv, zerstreut sich an und in allen organischen Lebensformen, in Finanzderivaten, an Platinen von Kommunikationstechnologien, als inversive Mikro- und Nano-implantate oder als Tracer in Bildtechnologien. Es bildet vegetative - geologische - technische - pornotropische - somatopsychisches Gefüge, verschränkt in molaren und molekularen Ökologien. Es ist potentiell überall, nicht vergänglich und verfügt über keine bestimmte Zeitlichkeit. Gold als „totes“ Edelmetall dynamisiert als ästhetische und libidinöse Droge affektierbare Körperlichkeiten. Es erfüllt projektive und imaginative Begehren nach Unsterblichkeit, Jugendlichkeit, (sittlicher) Reinheit, Liebe oder (nationaler) Sicherheit.
knowbotiq hat Stoffmuster entwickelt, die diese komplexe Narrationen aufnehmen. Unbearbeitet, als Meterware präsentiert, sind sie “commemorative fabrics“ des Goldes. Sie sind Textilien, die, einer visuellen ornamentalen Rhetorik folgend, die oben beschriebenen multiorganischen, quantifizierten und psychotropen Körperlichkeiten fabulieren. Die Muster nehmen Zustände und Möglichkeiten verschränkender Volumen vorweg, mit denen sie, begleitet durch Schnitte, Drapierungen, Faltungen und Nähte, die durch Gold quantifizierten Körper markieren und kommentieren könnten. Den Stoffbahnen werden über zwei Monitore Aufzeichnungen formloser Körperkonstitutionen im Raum angefügt, die Erwartungshaltungen von ästhetischer Dynamik, kontrolliertem Bewegungswissen und emphatischer Vereinnahmung unterlaufen.

Uriel Orlow

The Fairest Heritage

2016. HD video (looped), color, silent, 4′ 18″.

In 1963, on the occasion of the 50th anniversary of the founding of Kirstenbosch, the national botanical garden of South Africa in Cape Town, a series of films were commissioned to document the jubilee celebrations with their ‘national’ dances, pantomimes that revisit the colonial conquest, the visit of international botanists and the history of the botanical garden itself. The films’ protagonists of scientists, visitors etc. are all white – the only times we see Africans they are engaged in menial labour.

The films have not been seen since 1963 and were found by the artist in tins in the cellar of the library of the botanical garden. The Fairest Heritage is an attempt to watch these films today and engage with their attendant politics of representation. An actor, Lindiwe Matshikiza, inhabits the found footage and interacts with it, putting herself and her body in the picture and deconstructing the botanical nationalism and the flower-diplomacy of apartheid era South Africa.

– Uriel Orlow

Ana Roldán

Withering Paradisiaca

Table, glass table top, banana flower, 65 × 70 × 100 cm (table), flower size variable, 2014.

The relationship between civilisation and nature, even in its most domesticated form, is a theme in Withering Paradisiaca. In this contemplative work, nature, or rather what is apparently natural, becomes a set of socially multifaceted signs. On the one hand, there is a process which in itself is natural: the slow wiling of a banana blossom that invites us, like a Baroque memento mori still life, to think about transience.

- Elisabeth Gerber, annex 14

Banana as Tourist

Performance, 2016
Inspired on “Nature” by Ralph Waldo Emerson

“Nature is not fixed but fluid; to a pure spirit, nature is everything”
Ralph Waldo Emerson

In the tropics reigns perpetual youth. Within the domesticated plantations of goods, the work and value empires, a perennial festival is dressed, and the guest can not imagine how he or she should get tired of it in a thousand years. In the tropics we return to reason and faith. There I feel that nothing can befall me in life, which nature cannot repair. Standing on the bare ground, all mean egotism vanishes. I become a transparent eye-ball; I am nothing; I see all; the currents of the Universal Being circulate through me; I am part, I am a particle of Nature. I am the lover of uncontained and immortal beauty.

In the boiling wilderness and especially in the curved lines of odours bananas, one beholds somewhat as beautiful as one’s own nature. As bones, as bananas. The greatest delight which the tropics minister is the suggestion of an occult relation between people and the vegetable. Yet it is certain that the power to produce this delight, does not reside in nature, but in human, or in a harmony of both. The heat of man or woman labouring under calamity, illuminate the Nature wearing all the colours.

Katharina Swoboda

Penguin Pool

2015. video / hd / loop (3,20 ¬min) / colour/ sound

Sound – Sara Pinheiro / Katharina Swoboda

Designed by Russian Emgiré Berthold Lubetkin in 1934, the ”Penguin Pool“ in London Zoo is one of the most important modernist buildings in Great Britain. In 2004, the penguins were removed because of concerns regarding animal welfare. Since then, the iconic architecture has been ”empty“, animated only by water fountains. In the video, this emptiness is forced by masking out the zoo environment. Without the visual context of the surrounding, the ”penguin pool“ becomes an utopian model again.

Das Video zeigt den «Penguin Pool», eine modernistische Zooarchitektur die sich im Londoner Zoo befindet. Das Video entstand aus meiner Beschäftigung mit zoologischen Gärten und Architekturen, die für Tiere gebaut wurden, insbesondere mit den Architekturgruppe «Tecton». Aufgrund der heutigen Tierschutzbestimmun-gen und Praxen beherbergen viele der damals konstruierten Bauten der Gruppe nicht mehr die ursprünglich für sie angedachten Tiere, der Penguin Pool steht beispielsweise komplett leer. Die Besucher im Zoo sind auf der Suche nach den Pinguinen, die wenigsten sehen die Architektur. «Where are the animals?» «There are no animals!» Die Besucher wurden aus dem Bild ausmaskiert, es bleibt die heute utopisch anmutende Architektur.

Pelzvogelkasten

2015. video / hd / 5 min / colour / sound

Camera – Leopold Leskovar

Performance – Annika Scharm

Sound – Sara pinheiro, Katharina Swoboda

Pelzvogelkasten [translated “fur-bird-box”] is originally an object created by Ursula Schultze-Bluhm, which she made in the iconic year of 1968. The object is part of the collection of mumok (museum für moderne kunst der stiftung ludwig wien) in Vienna. The «Pelzvogelkasten» consists of what it is named after: a sewing box, which is covered with fur and feathers with a dead pheasant on the top. The single boxes are filled with materials such as beads, maize-cobs and little puppets. The video deals with the process of video-making itself in relation to the „Kasten“.

Der «Pelzvogelkasten» ist ein Objekt der Künstlerin URSULA (Ursula Schultze-Bluhm) aus dem Jahr 1968. Es besteht aus den Materialien, auf die der Titel bereits verweist: ein Nähkästchen, welches von Pelz und Federn bedeckt ist. Darauf angebracht ist ein toter Fasan. Die einzelnen Fächer des Nähkastens sind mit unterschiedlichen Materialien gefüllt: Perlen, Maiskörner und kleine Puppenfiguren. Das Video beschäftigt sich mit dem Prozess der eigenen Videoproduktion im Verhältnis zur Struktur und Bauweise des «Kastens».

Lena Maria Thüring

Gardien de la paix (GPX)

2011. HD Video, single channel, 16:9, colour, sound, 18 min 47 sec, French, German subtitles

Den jungen französischen Polizisten in “Gardien de la paix (GPX)” (2011) hat die Künstlerin beim Besuch in der Cité nationale de l’historie de l’immigration (vormals Musée de la France d’Outre-mer und Musée des Arts d’Afrique et d’Océanie) in Paris kennengelernt. Seit Eröffnung des Gebäudes befindet sich im Untergeschoss ein Aquarium, bestückt mit Fischen aus allen ehemaligen französischen Kolonien, welches der Polizist in seinen freien Minuten regelmässig besucht und das sich als sein persönlicher Defiant Garden präsentiert. Der Protagonist, den wir nicht sehen, sondern nur hören, erzählt von der Schwierigkeit, zwischen seinem Privatleben und seiner öffentlichen Funktion eine Balance zu finden. Auch er muss im Kollektiv der durch die Uniform verkörperten Staatlichkeit funktionieren. Auch bei ihm erfahren wir nach und nach eine persönliche Geschichte, die von der Herkunft seiner Eltern aus Guadeloupe erzählt und vom Polizistenalltag, in welchem er sich oft als “verbaler Abfalleimer der Welt” vorkommt. Vor dem Bild der Fische im Aquarium und mit seiner Wortwahl, die immer wieder auf Vergleiche mit der Tierwelt rekurriert, wirkt sein Wunsch nach Harmonie und Gewaltfreiheit direkt auf uns ein, und wir merken erst nach und nach, dass sich unser Bild eines Polizisten verändert hat.

Sabine Schaschl, Kunsthaus Baselland, Schweiz

The artist met the young French policeman in “Gardien de la paix (GPX)” (2011) during a visit to the Cité nationale de l’historie de l’immigration (previously Musée de la France d’Outre-mer and Musée des Arts d’Afrique et d’Océanie) in Paris. Ever since the building’s opening its basement has housed an aquarium containing fish from all the former French colonies. The policeman regularly visits this aquarium in his free time, and it turns out to be his personal defiant garden. The protagonist, whom we don’t see, only hear, describes his difficulty of finding a balance between his private life and his public function. He also has to function in the collective of the state which is embodied by his uniform. With him as with the others, we gradually hear his own story which tells of his parents’ origins in Guadeloupe and everyday life as a policeman, in which he often feels as if he had to take in all the world’s hot air. With the fish in the aquarium as backdrop and his choice of words which time and again refer back to the world of animals, his wish for harmony and non-violence has a direct impact on us, and we only gradually realise that our image of a typical policeman has changed.

Sabine Schaschl, Kunsthaus Baselland, Switzerland

Anne Käthi Wehrli

Bakterien Tragnetz Radio

A radio show as a carrier bag into natural science, 2016.